martes, 12 de mayo de 2015

FRANCISCO DE GOYA

Francisco de Goya 

Nació el 30 de marzo de 1746 en Fuendetodos, un pueblecito de la provincia de Zaragoza. Se formó en el taller de José Luzán y posteriormente viajó a Roma, donde estudió el barroco italiano.

Una de las cosas más sorprendentes de Goya es que no utiliza un lienzo que le sirva de guía sino que hace los trabajos directamente sin necesidad digamos de una plantilla.

En su primera época (1746-1762), el fondo de sus obras es generalmente oscuro pero en el se puede discernir unos haces de luz que trazan la silueta de la Virgen María. Su obra está realizada con pinceladas gruesas y directas en colores vibrantes y carnaciones rosadas definidas, ya que dan mucho contraste. Y están pensadas para que resalten en un fondo oscuro como el de una iglesia. 

En su segunda época (1763-1766), utiliza la técnica de óleo sobre lino de gran calidad.

En su tercera época (1772-1774) utiliza la técnica de óleo sobre muro que procede de las escuelas italianas básicamente,esta técnica consiste en aplicar a un muro de yeso una imprimación de ocre rojo sobre los cuales se van dibujando los demás trazos de la obra.

La cuarta época (1774-1780) viene marcada por la técnica del óleo sobre lienzo.  En esta época Goya debe amoldarse al tipo de pintura que le es pedida y en este caso debe realizar un gran cuadro para la fábrica de tapices lo que entraña una gran dificultad. Goya utiliza un estilo peculiar en estos trabajos sin hacer caso de todos los consejos que le dan Maella o Bayeu y utiliza un gran cromatismo con complejidad de coloridos y de detalles.

Las Venas Abierta de América Latina

Las Venas Abiertas de América Latina
Nos habla acerca de la llegada de los españoles en américa lo  cual con ellos trajeron sus costumbres y tradiciones lo que han llenado de pensamientos que por ellos se a desarrollado américa por lo que ellos llegaron con otros tipos de culturas, trantando de implementar aquí en  el territorio americano.
Fiebre del oro, fiebre de la plata:
El autor nos relata sobre como fue la llegada de Cristóbal Colon toda la fiebre del oro y de la plata y el agotamiento de los mismos y la perdida de su valor,  en 1492 Cristóbal Colon, sale en busca de las indias, en esa búsqueda llegaron a América, en aquel tiempo eran representantes,  Alejandro VI, que era valenciano convirtió a la reina Isabel en la dueña y señora del nuevo mundo, pero colon murió sin saber que había descubierto un nuevo mundo.

Los españoles al llegar al nuevo mundo se encontraron con la presencia de metales preciosos en gran cantidad, en la ciudad de potosí poseía gran cantidad de la plata. Esta ciudad pertenece a Bolivia, por lo que era una ciudad valiosa, por lo que los Españoles extrajeron del lugar miles de libras de plata, el descubrimiento del potosí se dio entre 1545 y 1548. 
El Rey azúcar y otros monarcas agrícolas:
Comenzaron con la explotación de los recursos en distintas regiones a lo largo de los años en manos de las grandes potencias (como son el caso del azúcar en Cuba, el caucho en Brasil, la banana en Ecuador y Colombia, etc.). La explosión del oro no sólo incrementó la importación de esclavos, sino que además absorbió buena parte de la mano de obra negra ocupada en las plantaciones de azúcar y tabaco de otras regiones de Brasil, que quedaron sin brazos.
Cuando la Revolución conquistó el poder, según Fidel Castro la mayoría de los cubanos no era ni siquiera antiimperialista. El Che Guevara decía que el subdesarrollo es un enano de cabeza enorme y panza hinchada: sus piernas débiles y sus brazos cortos no armonizan con el resto del cuerpo. El capital acumulado en el comercio triangular – manufacturas, esclavos, azúcar– hizo posible la invención de la máquina de vapor. A principios del siglo XIX, Gran Bretaña se convirtió en la principal impulsora de la campaña antiesclavista.
Las fuentes subterráneas del poder: 
La importancia de las riquezas mineras y las atrocidades cometidas en su nombre.
Las razones principales de los Estados Unidos para invertir en el exterior es el desarrollo de recursos naturales, particularmente minerales y, más especialmente, petróleo.
Perú creía que era independiente, pero Inglaterra había ocupado el lugar de España. El país se sintió rico – escribía Mariátegui. El cobre no demoró mucho en ocupar el lugar del salitre como viga maestra de la economía chilena,
El petróleo es la riqueza más monopolizada en todo el sistema capitalista. Son las empresas quienes deciden, con un lápiz sobre el mapa del mundo, cuáles han de ser las zonas de explotación y cuáles de las de reserva, y son ellas quienes fijan los precios que han de cobrar los productores y pagar los consumidores. 


Historia de la muerte temprana: reseña histórica de América Latina y sus vaivenes.
Se recibía tejidos de algodón de la economía británica a cambio de los cueros del rio de la plata, el guano y el nitrato de Perú, el cobre de chile el azúcar de Cuba y el café de Brasil. En 180 empezaría parte de la revolución, pero antes las tropas británicas habían conquistado trinidad, en el Caribe, en 1812 algunos comerciantes británicos comunicaban hemos logrado remplazar hemos logrado remplazar con éxito los tejidos alemanes y franceses, también hemos remplazado la producción de los tejidos argentinos y esto se dio también en otras regiones de América latina. En 1837 argentina recibe de Inglaterra desde la vestimenta hasta las piedras de la vereda, luego Gran Bretaña suministro a Brasil sus barcos de vapor y de vela, pasándole al igual que argentina ser dependiente de Inglaterra. Inglaterra organizaba un sistema universal y se convertía en la prodigiosa fábrica abastecedora del planeta; ya que todo lo que se producía en el mundo llegaba a Inglaterra y este lo distribuía. 

La estructura contemporánea del despojo:
El capítulo anterior, éste trata cómo continúa el saqueo por vías más indirectas pero no menos efectivas, mediante un sistema colonial opresor hacia adentro y oprimido desde fuera.

El imperio sin el petróleo y los minerales de América latina La economía norteamericana no puede prescindir de los abastecimientos vitales y jugosos que llegan desde el sur. Estados unidos necesita a América latina, como los pulmones necesitan al aire. El FMI nació en Estados Unidos, tiene su sede en Estados Unidos y está al servicio de Estados Unidos. El Banco Mundial (BM) y el FMI actúan conjuntamente, pues tienen metas comunes. El BM y el FMI, mantienen ejerciendo presiones para que los países Latinoamericanos remodelen constantemente su economía en función del pago de la deuda externa y por eso la deuda externa sigue creciendo y los productos que vende América Latina cada vez valen menos, y cada vez es más caro lo que se compra. Mediante el FMI, los Estados Unidos impone en Latinoamérica la doctrina del libre comercio. Estados Unidos desde 1803, ha comprado Louisiana a Francia, luego siguió Alaska a un precio miserable a la derrotada nobleza rusa, la usurpación de Hawái, Puerto Rico y Filipinas

martes, 21 de abril de 2015

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Rembrandt Harmenszoon van Rijn 

(Leiden, 15 de julio de 1606 – Ámsterdam, 4 de octubre de 1669) fue un pintor y grabador holandés. La historia del arte le considera uno de los mayores maestros barrocos de la pintura y el grabado, siendo con seguridad el artista más importante de la historia de Holanda


Análisis del “Cristo en la tormenta en el lago de Galilea”


La pintura muestra uno de los primeros milagros de Jesús, concretamente el narrado en el evangelio de San Marcos, capítulo cuarto, cuando Jesús calmó las aguas en una tormenta en el Lago Galilea. Se trata de la única marina del genial pintor holandés.

En esta obra se pueden evidenciar las características principales de sus obras: el uso del claroscuro, el manejo escenográfico de la luz y la sombra y su gran representación de las emociones humanas.
El rostro y los movimientos de cada uno de los tripulantes (discípulos) muestra su impresión por el suceso: unos se aferran aterrorizados a la vela; otros se agachan temerosos, cogiendo la cabeza y observando lo que sucede y los demás suplican a Cristo por su intercesión. 
Es de destacar la apariencia de Cristo, quien se muestra arrinconado ante las súplicas de los dos discípulos frente a él. En este punto, es interesante el brillo que usa el artista sobre la cabeza de Cristo: un ligero blanco que reluce en medio de las vestimentas oscuras de los personajes y del tenebroso mar, que alcanza su mayor oscuridad en la parte inferior a Cristo. 
 la inclinación del barco, las líneas del viento, las olas del mar y, por supuesto, las miradas de los discípulos; todo se dispone hacia ese pequeño rincón inferior de la embarcación.

martes, 14 de abril de 2015

Proporcion aurea

COMPOSICIÓN AUREA

Proporción Aurea 

Proporción Aurea establece que lo pequeño es a lo grande como lo grande es al todo. Habitualmente esto se aplica a las proporciones entre segmentos.

El número áureo es el valor numérico de la proporción que guardan entre sí dos segmentos de recta a y b (a más largo que b), que cumplen la siguiente relación:La longitud total es al segmento a, como a es al segmento b.

Escrito como ecuación algebraica: \frac{a+b}{a}=\frac ab
Siendo el valor del número áureo φ el cociente \frac ab
representado por la letra griega φ (phi) (en minúscula) o Φ (Phi) (en mayúscula) en honor al escultor griego Fidias.
La ecuación se expresa de la siguiente manera:
\varphi = \frac{1 + \sqrt{5}}{2} \approx 1,61803398874989...
La sección áurea es la división armónica de una segmento en media y extrema razón. Es decir, que el segmento menor es al segmento mayor, como este es a la totalidad. De esta manera se establece una relación de tamaños con la misma proporcionalidad entre el todo dividido en mayor y menor. Esta proporción o forma de seleccionar proporcionalmente una línea se llama proporción áurea.
El número áureo aparece, en las proporciones que guardan edificios, esculturas, objetos, partes de nuestro cuerpo. Un ejemplo de rectángulo áureo en el arte es el alzado del Partenón griego.


COMPOSICIÓN AUREA

es un método de división ideal de un rectángulo para componer una imagen basándose en puntos que unen a los lados entre sí. Esta división es tomada como apoyo compositivo, en la mayor parte de las obras, por los grandes maestros de la pintura.
Estas direcciones y puntos sirven para organizar armónicamente las formas que compondrán la imagen, tomando en cuenta las direcciones y puntos generados por el cruce de estas líneas imaginarias.
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Escultores en el Renacimiento

DONATELLO 
Bibliografía 
(Donato di Betto Bardi; Florencia, 1386-id., 1466) Escultor italiano,  fue uno de los creadores del estilo renacentista y uno de los artistas más grandes del Renacimiento. Su formación junto a Ghiberti le dejó un importante legado técnico pero casi ningún vestigio estilístico, ya que desde sus comienzos desarrolló un estilo propio basado en la fuerza emocional, y en un singular sentido del movimiento.

Analisis 
A principios del quattrocento, Donatello descubrió la representación heroica de la adolescencia, que más tarde exaltarían los humanistas, en el sentido de una conciencia nueva de la dignidad y la excelencia del hombre. En su madurez artística, la actividad de Donatello fue innovadora y experimental, es cuando realizó el David y más tarde el grupo también en bronce de Judith y Holofernes, cuando ya tenía sesenta años; en estas obras realizó una búsqueda de los efectos pictóricos que posee el material del bronce, con la posibilidad que le permitían sus pátinas. Hay una cierta relación simbólica entre David y Judith, y Goliat y Holofernes: David, como Judit, representan la pasión controlada, mientras que Goliat, como Holofernes, representan la pasión desbocada.


ANDREA VERROCCHIO


Nació en Florencia en 1435 fue orfebre el taller de Giuliano Verrocchio, de quien tomó el sobrenombre, trabajo como escultor con Donatello, y como pintor con Alesso Baldovinetti. Fue director de una academia en Florencia que llegó a convertirse en el principal centro de arte de la ciudad. Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli, Lorenzo di Credi yPeruggino.
Autor del monumento ecuestre de bronce ubicado en el Campo dei Santi Giovanni e Paolo enVenecia. Sólo pudo hacer el modelo en arcilla de esta estatua, terminada tras su muerte por el escultor veneciano Alessandro Leopardi. Otras esculturas en bronce son el David (1470-1472, Museo Nacional del Barguello, Florencia) y Amorcillo con un delfín (c. 1476, para la fuente del patio del Palacio Vecchio, Florencia). Entre sus principales cuadros están Bautismo de Cristo(1470, Uffizi, Florencia) y numerosas versiones de la Virgen con el niño (National Gallery de Washington y Metropolitan Museum de Nueva York).
Verrocchio falleció el 7 de octubre de 1488 en Venecia. 


                                                              Dama del ramillete 
Dama del ramillete (c.1478)

Dentro del retrato escultórico del Quattrocento, La dama del ramillete de Verrochio constituye una obra singular. El tratamiento de los paños, la atracción visual que ejercen las manos constituyen una renovación del retrato en el campo de la escultura equiparable a la del retrato clasicista formulado por Leonardo.

LUCA DELLA ROBBIA
Bibliografia
Luca nació en el año 1388 en la casa de sus antepasados que se encontraba debajo de la iglesia de San Bernabé en Florencia. Fue educado, conforme a las costumbres de la época, hasta que aprendió no solo a leer, sino también a escribir y contar, como se solía hacer en casi todas las casa florentinas, por sus propios medios. Su padre le colocó, enseguida, para que aprendiera el oficio, en casa del orfebre Leonardo, hijo de Giovanni, considerado, por entonces en Florencia, como el mejor maestro en este arte.


“Cantoría de la Catedral de Florencia” (Mármol, 1431-1438, Museo dell'Opera del Duomo, Florencia). 

 ANALISIS
Se trata del púlpito para el órgano encargado en 1431 a Luca della Robbia que por entonces era un desconocido, y que se situó originalmente sobre la puerta de la Sacristía Norte de la Catedral también conocida como Puerta Nueva, justo enfrente de la realizada por Donatello situada sobre la puerta de la Sacristía Sur, ambas fueron desmontadas en 1688 siendo sustituidas por un púlpito que celebraba la boda de Fernando de Medici con Violante Beatriz de Baviera. Una vez desmantelada la reconstrucción de la cantoría de della Robbia fue un problema.

Representa en imágenes el Salmo 150 de David “Laudate Dominum”, que aparece escrito en letras romanas en las tres fascias del púlpito. Las figuras en alto-medio-bajo-relieve representan niños y niñas cantando y bailando junto con amorcillos (putti).

GEOVANNI BELLINI
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Giovanni Bellini, también conocido por su apodo Giambellino (Venecia, h. 1433 - Venecia, 26 de noviembre de 15161 ) fue unpintor cuatrocentista italiano. Probablemente sea el miembro más conocido de una familia de pintores venecianos que incluyó a su padre Jacopo, su hermano Gentile y su cuñado Andrea Mantegna. Está considerado como un artista que revolucionó lapintura veneciana, haciéndola progresar hacia un estilo más sensual y colorista. Gracias al uso de pintura al óleo clara y de secado lento, Giovanni creó tintes intensos y ricos y sombras detalladas. Su suntuoso colorido y los paisajes fluidos y con atmósfera tuvieron un gran efecto en la escuela de pintura veneciana, especialmente en sus alumnos Giorgione y Tiziano.

SACRA CONVERSACIÓN
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GIORGIONE
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Giorgio Barbarelli da Castelfranco más conocido como Giorgione, (Castelfranco Véneto, h. 1477/1478 - Venecia, 15101 ) fue un pintor italiano del Alto Renacimiento, representante destacado de la escuela veneciana, cuya carrera quedó interrumpida por su temprana muerte, con poco más de 30 años.
Giorgione es conocido por la poética calidad de su trabajo, aunque sólo seis cuadros se le atribuyen con certeza. Dejó también varios cuadros inacabados, que completaron otros pintores. Esto, unido a la escasez de datos biográficos y las dudas que plantea el significado de algunas de sus pinturas, lo han convertido en uno de los pintores más misteriosos de la historia del arte europeo.
Junto con Tiziano, que era un poco más joven, y tras Giovanni Bellini, es el iniciador de la escuela veneciana dentro de la pintura renacentista, que logra gran parte de su efecto mediante el color y el ambiente, tradicionalmente opuesta a la preferencia por el dibujo de la pintura florentina.
VENUS DORMIDA
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CORREGGIO
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(Correggio, actual Italia, 1489-id., 1534) Pintor italiano. Nada se sabe acerca de la formación de este artista, conocido con el nombre de su pequeña ciudad natal, que fue uno de los pintores más atrevidos y originales de comienzos del siglo XVI y uno de los que ejercieron mayor influencia en la posterior pintura barroca.
Se especula con la posibilidad de que efectuara un viaje a Roma hacia 1518, pero Vasari afirma que nunca estuvo en dicha ciudad y que en realidad conoció la pintura de Rafael y Miguel Ángel, en la que sin duda se inspiró, a través de dibujos y grabados. Estos dos artistas fueron referentes básicos en la formación de su estilo, pero también bebió en Mantegna, del cual tomó la perspectiva ilusionista, y en Leonardo, de cuyo esfumado se sirvió para dotar a sus obras de una elegancia sentimental.

Pintores en el Renacimiento

Análisis conceptual de las obras
Obra: Iglesia de Manta Maria Novella
 Autor: Leon Battista Alberti
1.    Análisis Bibliográfico
Leon Battista Alberti (GénovaItalia18 de febrero de 1404 - Roma25 de abril de 1472) fue un sacerdote, secretario personal (abreviador apostólico) de tres Papas —Eugenio IV, Nicolás V y Pío II—, humanistaarquitecto, tratadista,matemático y poeta italiano. Además de estas actividades principales, también fue criptógrafolingüistafilósofomúsico yarqueólogo. Es uno de los humanistas más polifacéticos e importantes del Renacimiento.
Alberti fue el primer teórico artístico del Renacimiento, una figura emblemática, por su dedicación a las más variadas disciplinas. Se mostró constantemente interesado por la búsqueda de reglas, tanto teóricas como prácticas, capaces de orientar el trabajo de los artistas; en sus obras menciona algunos cánones. Por ejemplo, en De statua expone las proporciones del cuerpo humano, en De pictura proporciona la primera definición de la perspectiva científica y por último enDe re ædificatoria (obra que termina en 1450) describe toda la casuística relativa a la arquitectura moderna, subrayando la importancia del proyecto, los diversos tipos de edificios siguiendo las funciones que deben desempeñar.
2.    Análisis formal composición  tendencia técnica
La fachada de mármol se encuentra entre las obras más importantes del Renacimiento florentino. Se finalizó en1480. La primera intervención se realizó en 1350, cuando la zona fue recubierta de mármol blanco y verde gracias al mecenazgo de una tal Torino Del fu Baldese, muerto un año antes  Anexos a la iglesia se encuentran los edificios conventuales, que contienen tres claustros, que forman parte del Museo de Santa María Novella. Es de destacar la sala capitular, conocida también como capilla de los españoles, pintada al fresco por Andrea de Bonaiuto en torno a 1365. Esta capilla fue destinada por el Gran Duque Cosimo I a las funciones religiosas de los españoles que pertenecían al séquito de su esposa Leonor de Toledo. En el refectorio del convento se encuentra La última cena, de Plautilla Nelli, siendo la única obra firmada de esta pintora del siglo XVI.1
3.    Análisis simbólico
un pequeño oratorio dedicado a Santa María de la Viña, y sobre él se levantó, en 1049, la iglesia de Santa María Novella, concedida, en 1221, a doce frailes dominicos, quienes, guiados por Fray Giovanni da Salerno habían llegado a la ciudad provenientes de Bolonia dos años antes. La ampliación de la iglesia comenzó en 1279, y fue proyectada por Fray Sisto de FlorenciaFra Jacopo Pasavanti y Fray Ristoro de Campi. Se terminó a mediados del siglo XIII y fue consagrada por el Papa Eugenio IV en 1420.
4.    Análisis critico
Estaba ya realizada la parte del basamento y Alberti la tomará como punto de partida para construir el resto de acuerdo con el nuevo sistema. El cuadrado, empleado como módulo para las proporciones, tiene una escala menor en el cuerpo inferior de la fachada, y toda ella se puede inscribir en un cuadrado. Ese motivo resulta dibujado en ambos cuerpos mediante la taracea de mármoles de colores, recurso cromático con el que se expresa esa armonía entre las partes que es fundamento de la arquitectura de Alberti.


5.    Evidencia 
Masaccio
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BIOGRAFIA
(Tommaso di ser di Giovanni di Mone Cassai; San Giovanni Valdarno, actual Italia, 1401 - Roma, 1428) Pintor italiano. La carrera artística de Masaccio es interesante, primero, por la sorprendente relación entre la brevedad de su vida (murió a los veintisiete años) y la importancia, además de relativa abundancia, de sus creaciones, y segundo, por su aportación decisiva al Renacimiento, ya que fue el primero en aplicar las reglas de la perspectiva científica.
OBRAS
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Detalle de La expulsión del Paraíso (1426-1428)


Las figuras de Adán y Eva expulsados del Paraíso son prototípicas de la concepción que Masaccio tenía de la pintura, basada en la masa y el volumen de las figuras, en una única fuente de luz y en la representación científica de la perspectiva.El fresco se encuentra pintado sobre la pared de la Capilla Brancacci, en la iglesia de Santa María del Carmine en Florencia, Italia. Representa una famosa escena en la Biblia, la expulsión del Paraíso que se narra en Génesis aunque con algunas diferencias en relación con el relato canónico.

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Sagrada Trinidad, Masaccio
Frente a la imagen plana del Gótico italiano, que bloquea la mirada sobre la superficie a través del fondo dorado, lo que Masaccio y los pintores de su generación planteaban era ni más ni menos que abrir una ventana imaginaria sobre una supuesta realidad pictórica. Habían logrado abstraer la mirada humana para proporcionar un ordenamiento racional del mundo visible; así, en este cuadro se finge abrir una capilla real, con su altar y todo, donde tiene lugar ante el fiel el misterio de la Santísima Trinidad. En el primer término situó el clásico altar que se construía en las capillas laterales de las catedrales mediterráneas. En él se abre un nicho, con un sepulcro donde la figura de un esqueleto se rodea de una inscripción que reza: "Fui lo que tú eres y serás lo que yo soy". Sobre este espacio aparecen los donantes, el gonfaloniero, el más alto cargo cívico, con traje rojo, y su esposa. Esto supone una ruptura total con el arte precedente, que adjudica a los donantes un tamaño menor al de las figuras divinas en atención a su menor jerarquía en la concepción teocrática del mundo. Aquí, sin embargo, se respetan las recién aplicadas leyes de la perspectiva y la proporción para plantear dos figuras de tamaño natural, similar al de los personajes divinos, y pintados en escorzo al tener en cuenta la mirada del fiel, que los contempla desde el suelo. Sin embargo, sí existe una diferencia en el nivel de la jerarquía de los donantes y los santos, pero se expresa en un lenguaje diferente: tras los donantes se abre una supuesta capilla real, donde la Virgen y San Juan lloran a los pies de la cruz, donde Cristo aparece en eje con la paloma del Espíritu Santo y la figura de Dios Padre. Los puntos de vista para unos y otros son diferentes: punto de vista desde abajo para los donantes, que fingen pertenecer al espacio real del espectador. Punto de vista frontal para el misterio cristiano, que adquiere así un espacio sobrenatural. A la intención de realidad Masaccio suministra recursos tales como el claroscuro, que proporciona sombras y luces en vez de un fondo plano, y un diestro manejo de las texturas y las gamas tonales para dar tangibilidad y solidez a los cuerpos. No sólo se realiza un manifiesto de la nueva pintura del Renacimiento sino que en la capilla representada se recogen los elementos de la nueva arquitectura basada en los restos romanos y románicos de Italia. Aún así, Masaccio traduce un gazapo de la época, que consiste en el número de los casetones de la bóveda, pares, mientras que en Roma siempre se realizaban en cifra impar.

Paolo Uccello
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BIOGRAFIA
(Paolo di Dono; Pratovecchio, actual Italia, 1397 - Florencia, 1475) Pintor italiano. La primera noticia documental que se tiene de Paolo Uccello es de 1412 y lo sitúa en el taller de Ghiberti, donde debió de formarse, aunque no consta que fuera escultor.

En 1425 estaba en Venecia trabajando en unos mosaicos para San Marcos, que no se conocen. En 1432, de nuevo en Florencia, Paolo Uccello realizó el luneto de la Creación en el Claustro Verde de Santa Maria Novella, una obra llena de expresividad pero todavía algo tosca.

OBRAS

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La Batalla de San Romano, de Paolo Uccello

La obra que plasma con mayor elocuencia esta atracción por la perspectiva, y también la más admirada de Uccello, son las tres tablas de La batalla de San Romano (un enfrentamiento armado entre Florencia y Siena), donde las armas rotas, los cadáveres y las patas de los caballos aparecen situados en un escenario enmarañado y complejo.

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El hombre del turbante rojo.

Es una pintura realizada en 1433, fue pintada en óleo, sobre tabla, es  de estilo flamenco sus  medidas son  de 25.5x19cm. Es una obra centrípeta. En el Retrato del hombre del turbante rojo, Paolo Ucello denota su interés por el dibujo y el relieve, con reparto de la luz para dar volumen. Es el retrato tipo renacentista de busto, dibujo pulcro, importancia del color, de frente o perfil.

En realidad no está con un turbante si no con un chaperón cuyo extremos  se encuentran anudados sobre su cabeza, se dice que esta pintura se trata de la esposa del pintor es por eso que está pintada de negro la mayor parte, es un retrato maravilloso ya que se trata de un rostro serio y realista en la que deja constancia la dureza de la expresión, para la pintura usa unas finas capas de pigmentos de color el cual logra que el retrato resplandezca;  un ejemplo claro lo tienen en los ojos.

Fra Angélico



BIOGRAFIA

(Guido o Guidolino di Pietro; Vicchio di Mugello, hacia 1395 - Roma, 1455) Pintor italiano. No se le atribuye ninguna obra hasta 1420 (relicarios para Santa Maria Novella). Se orientó hacia un arte expresivo, instalado en el espacio y bañado por la dulce luz florentina, que no atenúa en absoluto la solidez de la composición y la firmeza de los volúmenes. Todas estas cualidades aparecen con gran evidencia en sus obras fundamentales: Descendimiento (c. 1440), Lamentación sobre el cuerpo de Cristo (1440-1445), La coronación de la Virgen (antes de 1445), la serie de pinturas realizadas para las celdas del convento de San Marcos de Florencia y La Anunciación del Museo del Prado. Las virtudes espirituales del pintor armonizan con la frescura y la delicadeza de sus coloridos, con la elegancia del dibujo y con esa manera tan suya de ocupar el espacio con el mínimo de medios y de efectos.

OBRAS

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La Anunciación (c. 1431, Museo del Prado)

Casi nada se sabe de su formación pictórica, aunque en su estilo se aprecia una transición entre elementos temáticos de tipo trecentista o gótico (fondos dorados, alargamiento de las figuras, gusto por el trazado de líneas curvas en los ropajes) y aspectos innovadores más característicos del arte del Quattrocento: sentido del volumen, intentos de profundización en perspectiva y, sobre todo, luminosidad de la atmósfera, elemento este último de poderosa presencia en la obra del maestro. Es probable que su iniciación artística se realizara de la mano del monje camaldulense Lorenzo Monaco.

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Fra Angelico, Retablo de San Marco (1438-1440), Museo de San Marco, Florencia

El retablo estaba compuesto por un panel principal (que es este de aquí arriba) y nueve tablillas rectangulares, de unos 40 centímetros de alto, que colocadas debajo formaban la predela o banco del retablo. Estos nueve paneles son los que narran la vida y milagros de Cosme y Damián (nunca mejor dicho). Por desgracia, en una reforma posterior de la iglesia, a alguna mente lúcida se le ocurrió desmantelar el retablo y ahora está a trozos, desperdigado por el mundo.

En el panel principal, aparece la virgen entronizada, con el niño Jesús en las rodillas, rodeada de ángeles y santos. Lo más importante de este cuadro es que es una de las primeras sacra conversazione que se conoce, un tema pictórico que representa a la virgen con el niño y unos cuantos santos de charleta. La composición es perfectamente simétrica y triangular, típica del Quattrocento. A los pies de la virgen se arrodillan los santos Cosme y Damián, uno mirando al espectador y otro de espaldas. La cara del de la izquierda, Cosme, es la del propio Cosme de Medici (que para eso compartían nombre). Su hermano Lorenzo di Giovanni está retratado en el primer santo de la izquierda, san Lorenzo; los siguientes son san Juan evangelista (en honor al padre de los hermanos, que se llamaba Giovanni, y a un hijo de Cosme) y san Marcos, patrono del convento. En el grupo de la izquierda están santo Domingo y san Pedro mártir en los extremos, los dos santos dominicos más importantes, y san Francisco de Asís en el centro (por un hijo de Lorenzo que se llamaba Pier Francesco). Todo quedaba en familia, vamos.


Sandro Botticelli


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BIOGRAFIA

(Alessandro di Mariano Filipepi; Florencia, 1445 - id., 1510) Pintor italiano. Muy valorado en la actualidad, Sandro Botticelli no se cuenta entre los grandes innovadores del Renacimiento, sino que se inscribe más bien en un grupo de pintores que rehuyó el realismo a ultranza y se inclinó por un estilo basado en la delicadeza, la gracia y un cierto sentimentalismo.

Uno de ellos fue Filippo Lippi, maestro e inspirador de la obra de Botticelli. Éste comenzó su trayectoria artística con obras de temática religiosa, en particular vírgenes que, como la Virgen del Rosal, denotan un gran vigor compositivo.

OBRAS

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El nacimiento de Venus (1485) de Botticelli

El nacimiento de Venus, una de las pinturas más reconocidas de Botticelli, reprersenta el nacimiento de la diosa del amor Venus emergiendo de la espuma del mar como una mujer plenamente madura. Vale la pena notar que en la época clásica, la espuma del mar era el símbolo de los genitales femeninos, y como tal, Botticelli fue ingeniosamente referencia real del nacimiento de la diosa. A pesar de una figura mítica lleva a muchas especulaciones, porque no hay contexto literario exacta que representa la escena pintada por Botticelli. La figura central de Venus en la pintura es muy similar a la escultura de Praxíteles de Afrodita.

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Las tentaciones de Cristo- fresco

El tema de la decoración fue un paralelismo entre las historias de Moisés y de Cristo, como un signo de continuidad entre el antiguo y el Nuevo Testamento. Una continuidad entre la ley divina de las tablas y el mensaje de Jesús, quien, a su vez, eligió a Pedro ( el primer obispo de Roma ) como su sucesor: Finalmente, esto resultaría en una legitimación de los sucesores de éste, los papas de Roma.

La escena de las tentaciones de Cristo representa a tres episodios de los Evangelios, en paralelo con la escena en la pared opuesta, también por Botticelli, mostrando la pruebas de Moisés. La pintura tiene un friso con la inscripción (similar al fresco) diciendo TEMPTATIO IESU CHRISTI LATORIS EVANGELICAE LEGIS ("las tentaciones de Cristo, que trae la ley Evangélica").

Rafael Sanzio


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BIOGRAFIA

(Urbino, 6 de abril de 1483 – Roma, 7 de abril de 15201 ), también conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael1 n. 1 fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.3

Hijo de un pintor de modesta relevancia, fue considerado un niño prodigio por su precoz habilidad y al quedar huérfano se formó en los talleres de varios artistas de prestigio. A los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerado una de sus obras cumbre.4 5 Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico.6 Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período.7

Nació en Viernes Santo y falleció en esta misma festividad el día que cumplió 37 años.n. 2 Fue un artista muy productivo, en parte gracias a que dirigió un taller conformado por numerosos colaboradores,8 y, a pesar de su muerte prematura, dejó una extensa obra que en gran parte aún se conserva. La mayor parte de su trabajo está alojado en los Museos Vaticanos, ya que decoró con frescos las habitaciones conocidas como las Estancias de Rafael, el principal encargo de su carrera, que quedó sin terminar a causa de su muerte y fue completado por ayudantes.

OBRAS

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Detalle de La Gioconda

En el arte occidental, se puede decir que no hay ninguna obra más famosa que la pintura de Leonardo da Vinci del retrato de Lisa Gherardini, llamado Mona Lisa (Mona es una abreviatura del italiano Madonna, señora), hija de un fabricante de lanas florentino llamado Antonio Gherardini. A su muerte, la muchacha habría sido prometida al hijo menor de Lorenzo el Magnífico, pero al huir el clan de los Médicis ante la invasión francesa, la joven se habría quedado sola y embarazada. En tan adversas condiciones, Lisa Gherardini habría aceptado desposarse con Francisco Giocondo, un hombre de mucha más edad que ella a quien debería el sobrenombre de la Gioconda. Sin embargo, son innumerables las teorías a este respecto; muchos creen que el retrato no se basa en un único modelo, sino en la suma de varios.
Aun así, la obra conserva todavía una belleza peculiar. Muchos intentos se han hecho para explicar el vivo efecto que produce en el espectador. Leonardo utilizó un típico sfumato: los suaves colores y los contornos se funden en una sombra indecisa. De la misma manera, la expresión del rostro es equívoca: una sonrisa juega alrededor de la boca y los ojos, pero ¿es burlona o melancólica? La joven parece mirar al espectador pero también al mismo tiempo mira a lo lejos, o hacia su interior. El peculiar efecto queda acentuado por el paisaje onírico del fondo, donde además el artista ha dejado mucho más bajo el horizonte de la izquierda que el de la derecha. Tampoco las dos mitades de la cara son del todo iguales. Lo turbador de estos aspectos se contrapone con la tranquila armonía de las manos maravillosamente modeladas.

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La anunciación

La escena se desarrolla enteramente en el exterior, dentro de un jardín cerrado de una típica villa florentina. Este es un rasgo innovador, ya que en la tradición medieval la ambientación era siempre en el interior (lo que favorecía la representación de la cama), al menos en lo que se refería a la Virgen, mientras que el ángel podía estar en el exterior, pero en un hortus conclusus, es decir, en un jardín delimitado por altos muros que aludían al vientre de María. Para mantener la reserva del encuentro, Leonardo pinta a la Virgen en un palacio, pero dejando entrever el lecho; además, un pequeño muro delimita el jardincillo.

El ángel es clásico, como iconografía, tiene las alas batiendo y sostiene un lirio blanco (Lilium candidum), símbolo de pureza. El ángel revela su peso en la hierba, y se representa incluso el movimiento del aire que provoca al aterrizar. A diferencia de los ángeles que normalmente se representaban no tiene alas de pavo real (considerado animal sagrado y de carne incorruptible al ser exótico y bellísimo), sino las alas de un pájaro auténtico, cuya anatomía ha estudiado el autor. Se supone que Leonardo copió originalmente las alas de las de un pájaro en vuelo. Hay una extraña anomalía: las alas originales eran más cortas, pero fueron alargadas por un artista posterior, sin comprender que aquí Leonardo representó al ángel que está aterrizando, y que por lo tanto está cerrando las alas, y por este motivo carece de sentido pintar un ala batiendo. Esta "corrección" destruye toda la labor de estudio de Leonardo sobre la anatomía de las aves, así como la representación realista del ala.

Estudio de drapeado.
La impostación de la posición es clásicamente leonardesca, considerando los drapeados, con pliegues amplios y mórbidos. Giorgio Vasari cuenta que el artista hacía a menudo modelos de arcilla de las figuras, los vestía con mórbidos mantos bañados en yeso y entonces reproducía pacientemente la caída de los drapeados. La posición de las manos es natural, la derecha bendiciendo mientras que la izquierda lleva la azucena.

Cierta perplejidad causa la cabeza del ángel: las carnaciones son pálidas y planas, sin las transparencias clásicas de Leonardo, hay una gran diferencia con el ángel del Bautismo de Cristo, aquí los cabellos no se difuminan, sino que aparecen como una masa de rizos compacta.

Miguel Ángel




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BIOGRAFIA

(Miguel Ángel Buonarrotti, en italiano Michelangelo; Caprese, actual Italia, 1475 - Roma, 1564) Escultor, pintor y arquitecto italiano. Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI y cuya figura está en la base de la concepción del artista como un ser excepcional, que rebasa ampliamente las convenciones ordinarias.

La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el jardín de los Médicis, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de Masaccio que le sirvieron para definir su estilo.


OBRAS

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La creación ADAN (Capilla Sixtina, 1508–1512)



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La creación EVA (Capilla Sixtina, 1508–1512)


Dios es representado como un hombre anciano y con barba envuelto en una alborotada túnica color púrpura, la cual comparte con unos querubines. Su brazo izquierdo está alrededor de una figura femenina, normalmente interpretada como Eva, quien no ha sido creada aún y, en sentido figurado, espera en los cielos a que le sea dado un lugar en la Tierra. El brazo derecho de Dios se encuentra estirado, para impartir la chispa de vida de su propio dedo al de Adán, cuyo brazo izquierdo se encuentra en idéntica posición al de Dios. Es famoso el hecho de que ambos dedos están separados por una mínima distancia. La pintura tomó de tres a cuatro años en ser completada.

Las posiciones idénticas de Dios y Adán se basan en el Génesis 1:27, que dice que Dios creó al hombre a su imagen y semejanza. Al mismo tiempo Dios, que aparece flotando en el aire contrasta con la imagen terrenal de Adán, quien se encuentra acostado en una estable triángulo de tierra. El nombre de Adán viene del hebreo y significa hombre y la forma femenina Adamah significa Tierra.

La inspiración de Miguel Ángel pudo haber venido del himno medieval Veni Creator Spiritus, en el que se pide que el dedo de la mano paterna derecha (digitus paternae dexterae) dé a los fieles amor y corazón.



Rafael Sanzio




BIOGRAFIA

(Urbino, 6 de abril de 1483 – Roma, 7 de abril de 15201 ), también conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael1 n. fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.

Hijo de un pintor de modesta relevancia, fue considerado un niño prodigio por su precoz habilidad y al quedar huérfano se formó en los talleres de varios artistas de prestigio. A los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerado una de sus obras cumbre.Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período.

Nació en Viernes Santo y falleció en esta misma festividad el día que cumplió 37 años.n. Fue un artista muy productivo, en parte gracias a que dirigió un taller conformado por numerosos colaboradores,8 y, a pesar de su muerte prematura, dejó una extensa obra que en gran parte aún se conserva. La mayor parte de su trabajo está alojado en los Museos Vaticanos, ya que decoró con frescos las habitaciones conocidas como las Estancias de Rafael, el principal encargo de su carrera, que quedó sin terminar a causa de su muerte y fue completado por ayudantes.

OBRAS

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La Academia de Atenas.. Rafael Sanzio



Comenzó con esta obra a finales de 1510 y se prolongaron hasta mediados de 1511. Colocada frente a la Disputa, que exalta la verdad, la ESCUELA DE ATENAS representa la investigación racional de la verdad. Las figuras de los filósofos y sabios de la Antigüedad están dispuestas en el interior de un edificio de formas solemnes y grandiosas proporciones, con temas de la arquitectura romana tardía imperial.
En nichos, a los lados del primer arco, están las estatuas de Apolo y Minerva, referidas a los modelos clásicos. El significado de las dos figuras se aclara en los bajorrelieves situados debajo: una lucha de desnudos y Tritón que rapta a una vida, simbolizan la violencia y los deseos sensuales que dominan la parte inferior del alma humana y deben ser dominados y guiados por la autoridad de la razón, representada por Apolo; menos descifrables son las alegorías bajo Minerva, que parecen simbolizar la actividad de la inteligencia, gobernada por la divinidad. Otras estatuas y bajorrelieves se entrevén en escorzo en las paredes de la nave. Los medallones en las pechinas de la cúpula representan a un hombre que alza los ojos de un libro a una mujer que posa un brazo sobre el globo terrestre; tales gestos parecen repetir los dos personajes centrales que son los dos filósofos más grandes de la antigüedad, erguidos en lo alto de la escalinata (Platón y Aristóteles).


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EL ENTIERRO DE CRISTO de Rafael Sanzio



El entierro de Cristo de Rafael es otro cuadro rodeado de curiosas circunstancias históricas. Fué pintado por encargo de Atalanta Baglioni, en memoria de su hijo Grifonetto -muerto en 1500 en el transcurso de las luchas intestinas que se desarrollarón en Perugia-, para la capilla que dicha familia poseia en la iglesia de San Francesco.

La tabla, que sería coronada por una composición de Domenico di Paris Alfano y completada con una predela en grisalla en la que aparecen las virtudes teologales, quedó concluida tan sólo en 1507, de modo que su realización tuvo lugar en Florencia, tal vez con la colaboración del artista antes citado.

El esquema general de la composición deriva de la Piedad de Perugino, pintada en 1495, que se conserva en la Galeria Pitti de Florencia, si bien el tratamiento de las figuras, sintético y expresivo, es puramente rafaelesco. Existe, además, un proposito por plasmar las tensiones anatómicas, el esfuertzo fisico, que preludia claramente el manierismo y que debe atribuirse a la influencia de Miguel Angel.